Kyrie eleison : audición y análisis

El Kyrie Eleison es un canto religioso que constituye la primera de la seis partes del ordinario de la misa: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus y Agnus Dei.

Κυριε ελεησον; Χριστε ελεησον; Κυριε ελεησον
Kyrie eleison; Christe eleison; Kyrie eleison
Señor, ten piedad. Cristo, ten piedad. Señor, ten piedad.

Plantilla de análisis.

1. Kyrie en canto gregoriano (Edad Media)



2. Kyrie de la Missa Papae Marcelli, compuesta por Palestrina (Renacimiento, s.XVI)




El Kyrie de esta misa es un claro ejemplo del estilo de Palestrina, un estilo transparente donde no se producen saltos difíciles en sus líneas melódicas. El Kyrie comienza en contrapunto imitativo. El Christe eleison se presenta en homofonía, con las voces emparejadas de dos en dos, evolucionando hacia una textura homofónica más plena, para terminar con el Kyrie final de nuevo en contrapunto imitativo.

3. Kyrie de la Misa Criolla, Ariel Ramírez, 1964.



Esta misa es una obra musical para solistas, coro y orquesta, de naturaleza folklórica (Argentina). El Kyrie está construido sobre dos ritmos ancestrales andinos, la baguala y la vidala. Comienza como una vidala en la menor, en la que se suplica a Dios su compasión y piedad. Al igual que en la misa católica tradicional, en el estribillo sube a una escala en la mayor, adoptando un estilo de baguala.


4. Kyrie: fusión de cantos Gregorianos con música Chill Out, Richard Rossbach (S.XXI)

Más información: Música de Misa

Audiciones de música renacentista

John Dunstable (1390-1453) compositor inglés de música polifónica. Fue astrónomo y matemático, además de músico. Se casó con la hermana del duque de Borgoña y vivió en Francia. Sus obras y estilo armónico fueron elogiados en todo Europa y tuvieron gran influencia sobre los primeros compositores renacentistas, como los borgoñones Guillaume Dufay y Gilles Binchois.

• Veni, Sancte Spiritus, es un motete compuesto probablemente en 1431 para la coronación de Enrique VI de Inglaterra, es la obra que hizo famoso a su autor en toda Europa. Es una obra a cuatro voces, la voz más grave es instrumental.
  

Guillaume Dufay (1400-1473) es el más famoso e influyente compositor y músico de la primera generación de la escuela franco-flamenca del primer Renacimiento. Viaja en varias ocasiones a Italia y mantiene relaciones con muchos reyes y príncipes europeos, por cuyo encargo compuso obras conmemorativas.

• Nuper rosarum flores, (explicación y texto) Motete para cuatro voces con acompañamiento de instrumentos compuesto para la consagración de la catedral de Florencia con motivo de la realización de la cúpula diseñada por Filippo Brunelleschi.
  
• Vergine bella, che di sol vestita (texto), canción escrita para la última composición del Canzoniere de Petrarca.

Johannes Ockeghem (1410-1497) fue el principal compositor de la segunda generación de la escuela franco-flamenca y uno de los más influyentes y respetados músicos de su época. Viajó a España. De su obra se conservan veinte chansons, doce misas completas y diez motetes.

• Deo gratias

Josquin Desprez, Francia (1440-1521). Pertenece a la tercera generación franco-flamenca, su estilo claro, limpio y elegante se convierte en un modelo para toda Europa.

• El grillo motete (1502).
• Mille regretz, fue conocida como canción del Emperador por ser la favorita de Carlos V. Texto, traducción y explicación.
  
• Ave María

Clement Janequin (1485-1558) Compositor francés. Pocos compositores del Renacimiento fueron tan populares durante sus vidas como lo fue Janequin. Sus chansons fueron muy apreciadas y cantadas.

• Le chant des oiseaux, (letra)
• Il estoit une fillette,
• La bataille, el canto polifónico describe los sonidos y eventos de una batalla.
  

Juan del Encina, España (Salamanca, 1468-1529), fue músico, poeta y autor teatral del prerrenacimiento español. Perteneció a la primera época de la llamada escuela polifónica castellana.

• Más vale trocar
• Hoy comamos y bebamos
• Levanta, Pascual
• El que rige y el regido
  

Texto de los villancicos de Juan del Encina.

Cristobal de Morales, España (Sevilla, 1500-1553). Viaja a Roma.

• Missa Mille Regretz, Agnus Dei

Alonso Mudarra (1510-1580) compositor y vihuelista español del Renacimiento. Viajó a Italia y a su regreso a España se ordenó sacerdote en 1546 en la Catedral de Sevilla. Su gran aportación a la música se centra en la publicación, el 7 de diciembre de 1546, de sus Tres libros de música en cifra para vihuela, que contienen obras originales suyas y transcripciones para vihuela sola o con voz, de diversos compositores de la época como Adrian Willaert, Josquin Des Pres, Nicolas Gombert.

• Pavana de Alexandre
• Fantasía X
• Fantasía
  

Antonio de Cabezón (1510-1566) Organista y compositor español considerado como el mejor instrumentista de su tiempo. Enlace a su vida y obra, con audiciones.

• Fantasía
  

Giovanni Pierluigi da Palestrina (1526-1594)

• Kirye eleison, (partitura)
  

Orlando di Lasso (1532-1594)

Tomas Luis de Victoria (1548-1611)

Claudio Monteverdi

Renaixement profà religiós

La polifonía

El Renacimiento supone el triunfo definitivo del gran hallazgo medieval: la polifonía.

El canto trovadoresco y el canto gregoriano medieval eran esencialmente monódicos, es decir, estaba compuesto por una sola melodía que podía ser cantada al unísono por varias personas. No sabemos si fue por deseo de huir de la monotonía o por la existencia de antiguas tradiciones que no han dejado huellas escritas, lo cierto es que muy pronto los cantores fueron adornando las severas melodías mediante procedimientos muy sencillos, al principio improvisados. Se podía, por ejemplo, cantar la melodía a un determinado intervalo por arriba o por abajo del canto principal (organum, gymel), o lanzarse en rápidas improvisaciones libres, pero que tuvieran alguna relación con la melodía principal: por ejemplo, empezar y terminar en las mismas notas (discanto). Estos primeros esbozos de polifonía marcan el punto en que la historia de la música occidental se separa definitivamente de las demás. El fenómeno se acelera a medida que la improvisación cede el lugar a la composición escrita: pronto no son dos, sino tres las voces que el compositor se atreve a combinar, siempre sobre la base de una melodía dada (cantus firmus). Ello exige a su vez la creación de una teoría musical que permita, mediante la observación y la reflexión, encontrar ciertas reglas que garanticen de alguna forma que el conjunto suene bien: esta ciencia es el contrapunto.

La polifonía es una música compuesta por varias melodías simultáneas en que cada una expresa su idea musical, pero formando con las demás un todo armónico. La mayoría de las obras se componen a cuatro voces pero se llegó, en los siglos XV y XVI, a los excesos polifónicos de obras para dieciocho voces. Polifonía es un concepto opuesto a monodia.

El ascenso de la burguesía como clase social, las ideas del Humanismo (incluyendo la revalorización de las artes como puro disfrute personal) y el invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la música culta. Esta pasó de ser un privilegio sólo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias, que consumían la amplia literatura musical profana publicada en toda Europa para uso casero de aficionados: canciones polifónicas en Francia, libros de vihuela y villancicos en España, madrigales en Italia e Inglaterra... Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas, recomendado incluso por Maquiavelo en El Príncipe, y por Baltasar de Castiglione en El cortesano. Desde el siglo XVI hasta la revolución francesa, los salones de la nobleza van a ser importantes centros de producción y disfrute de música, conservando siempre su carácter privado, reservado a una élite social y cultural. Desde esos salones, las innovaciones y experimentos de la minoría cultivada van a filtrarse haia estratos sociales y culturales más bajos.

Si para el cristianismo medieval todo placer sensual era por definición sospechoso, en cuanto apartaba al hombre de su fin sobrenatural, en el Renacimiento es al contrario: el mundo visible es la fuente de toda belleza. No hay, pues, ninguna razón para privarse del sonido evocador de los instrumentos, de la sugestión de un ritmo insinuante o de las sutiles modulaciones de la voz. La música debe ser “deleitosa”, “dulce”, “sabrosa”, por no citar más que algunos de los adjetivos que encontramos constantemente en los escritos de la época.

La música debe hablar al corazón, expresar con la mayor fidelidad posible los sentimientos humanos: alegría, desconsuelo, cólera, tranquilidad. Esto se logra sobre todo cuando música y palabra se asocian en el canto, que para el hombre del Renacimiento constituye la forma más elevada tanto de la música como de la poesía. En efecto, la palabra dota a la música de un significado concreto, inmediato, sin el cual no sería más que una abstracción carente de interés, incapaz de “imitar la Naturaleza”. Como contrapartida, solo la música puede poner de relieve todas las posibilidades emotivas contenidas en el lenguaje hablado.

• Del primitivo canto cristiano a la polifonía

• Música y polifonía

Recuperación del trabajo de investigación

Los alumnos que no hayan aprobado la tarea de investigación acerca del Renacimiento, deberán presentar un trabajo de recuperación consistente en realizar la investigación de un tema distinto al presentado entre los seis temas propuestos en la fotocopia. Esta recuperación es obligatoria para todos los alumnos que hayan suspendido, y voluntaria para los que, habiendo aprobado, quieran subir nota.
El plazo de presentación es el jueves, 17 de febrero de 2011.

En este documento encontrarás algunos consejos útiles: Procedimientos para la tarea de investigación